【本報訊】「Mori」森感恩紀念展於11月15日在皇穹陵紀念花園正式對外公開展出。本次聯展集合日本當代最著名12位藝術家名作，所有展品也都是第一次在台灣公開展出，對日本當代藝術有興趣者是一大福音。
「Mori」森展主辦人張先生，酷愛收藏日本當代藝術名作，並在南投縣名間鄉故居三合院整修改建為「賢彥居」藝術展館，惜慈母賴滿女士去年因病去世，無緣親眼看到「賢彥居」落成。為感念母親生養教誨之恩情，在祂逝世一週年時，將賢彥居第一個展覽，獻給長眠在皇穹陵紅念花園的祂。
「孩子從母親那裡承接的愛，如今化為一片療癒之森」，「森」展從一位收藏家感念母親之於自己的養育之恩，昇華為藝術分享的心念。張先生精選宮島達男、奈良美智、真井朋子等12位當代藝術家，超過40件作品，匯聚於此，為逝者、為生者、為萬物之靈，集結一場充滿療癒氛圍的遊行，也啟示著一種關於對生死循環的哲思。
「森」展由12這個數字組成，12筆劃的「森」字，12位藝術家，12個小時，12個時辰，12個月，12生肖等等，象徵母親對兒女的愛與呵護，就像12這個數字，在生活中是無所不在的。從細微的單位匯聚成一片圖景的意象，也融會於展覽核心與藝術作品之間，詮釋人與所在共存共生的思想。
「森」展在皇穹陵紀念花園展出，更翻轉著二個意義，其一是台灣坊間看待納骨塔與逝去之觀念的一檔展覽；其二是以有別於非 典型展示方式，讓藝術與觀眾在觀看的過程中彼此交織。在視覺上，「森」的展出作品彼此聯覺出細緻與華麗，在「小」與「細」舖陳出的華麗，一如生命僅能擁有的瞬間，在頃刻中綻放無盡的華麗。
用地超過20甲的皇穹陵紀念花園，專業於禮儀服務、親人骨灰及祖先牌位永久安奉，園區莊嚴祥和，環境寬敞清幽，是中部地區業界龍頭，此次合辦「Mori」森展，不僅創造業界一段佳話，更實質改變大眾對納骨塔的刻板印象。
相關文章
一、墓園展覽之愛⋯
這是一個孝子憶亡母的故事，他的思念方式很特別，也是台灣第一次，選擇墓園『皇穹陵紀念花園』媽媽長眠之地，為祂舉辦當代藝術收藏展，把他對母親的思念與愛，深藏在作品裡。
古人說，人死如燈滅，好似湯潑雪，若要還魂轉，海底撈明月⋯；但藝術收藏家大頭先生認為，他規劃的展覽中，有媽媽 賴滿女士的味道與身影，並隱身在每一件作品裡。
前陣子Netflix 出了一部熱播劇「我是遺物整理師-Ｍove to Heaven」，劇中透過遺物整理師，讓觀者感受往生者的故事。
「真正的死亡，是世界上再沒有一個人記得你。」大頭用藝術展覧去翻轉這樣的錯覺。
大頭提出的每件藝術品，都包含著許多與媽媽共同的回憶，從幼年、求學、工作，離不開媽媽的視覺，有著綿綿不絕的關心與叮嚀，不管他行腳多遠，浪跡天涯多久，媽媽的心神始終亦步亦趨，愛相隨。
就在母親逝別一週年，在療傷止痛過程中，他不斷咀嚼母親平凡中的偉大，在日常中展現大智慧，尤其他的藝術品收藏，正是延續母親的智慧實踐。
時間正好是母親逝世一週年，在母親長眠的「皇穹陵紀念花園」，策劃了展覽，一來呈現母親教他的智慧，再者借展覽表達對母親的感謝與思念，同時獻上滿滿的祝福，希望母親含笑九泉。
這個有如辦在告別式禮堂的展覽，立即引發大家的討論，第一個反應是，展覽做給誰看！？
展覽名為「森」，代表南投的地緣環山，森林之中蘊藏著生命的循環與輪迴。展覽從一位收藏家如何將母親之於自己的養育之恩，昇華為分享藝術的心念。
在展覽中，大頭表達了他身處在充滿挑戰的時代中，對生命能量循環的感受，與精神昇華的期待。
「森」打造了一個如小徑分岔的花園般，在雕塑四周鋪上台灣庭園常見的常綠灌木和變葉木。葉子的顏色會隨著四季的光照強度變化，彰顯生命的美麗。
大頭精選了十二位當代藝術家、超過四十餘件作品，它們匯聚，重新賦予意涵，別具特色。十二位藝術家分別是：平子雄一（Yuichi Hirako）、伊藤彩（Aya Ito）、加藤泉（Izumi Kato）、近藤亜樹（Aki kondo）、宮島達男（Tatsuo Miyajima）、三宅信太郎（Shintaro Miyake）、長井朋子（Tomoko Nagai）、奈良美智（Yoshitomo Nara）、大野智史（Satoshi Ohno）、小瀨真由子（Mayuko Ose）、大谷工作室（Otani Workshop）與山本桂輔（Keisuke Yamamoto）等。
為什麼展12位藝術家，12是「森」的筆畫，「12」這個數字是組成「森」展概念的繆思。
舉凡佛教裡的十二因緣、度量天文、星座與時間的十二進位法。展廳正中央，展的是大谷工作室的「十二」生肖，除了有生肖的意思，更有古代十二時辰之意，代表生生不息的生死循環變化。
展覽中尺幅最大的五連屏畫作，是平子雄一的力作，也是大頭最喜歡藝術家之一，藝術家的作品是最初期收藏入庫的，平子雄一的作品內涵豐富、張力無限，在賞析的過程中，奠定了他的好眼力，也是開啟他走向浩瀚藝術世界的引路人。
該五連屏畫作，好比展覽的序曲，有如一條蜿蜒的路徑，由右至左，穿行在五個不同的世界，正如生命中的不同階段青春、盛夏、入秋、衰老、超脫⋯，藝術家充滿標誌性的樹人與動物開著車，手上的樹枝，舉向星空，黑夜在濃密森林的中間，造就一條通往宇宙太初的銀河。另一方面，「森」也是對大自然原始之美的禮讚，呼應了其他藝術家的生命議題。
展覽的一開始，大頭先生用一句「孩子從母親那裡承接的愛，如今化成一片療癒之森」，來象徵母親的愛像是森林一樣，再加上宮島達男的金鉑數字裝置作品，數字「8」，代表的無限大的輪迴。
藝術家刻意不使用數字「0」，是參照佛學「空」的概念，那無有無存、世事無常的狀態，象徵著死亡。數字1到9的流動變化，象徵著生命的循環反復、生生不息，也表現了他對生命的永恆追問。
而數字「8」更有數學符號「無限」的意思，觀者可以從鏡面看著自己的倒影，母親的愛是無私，不要求回報，也告訴大家張媽媽，希望大家從進來開始，靜靜反思媽媽對自己無窮的愛。
奈良美智作品《Standing on Empty》，言簡意賅地訴說著生者之境，看著生命的無常，感到無常與無奈，思念是一種很玄妙的東西，孩子從母親那裡承接的情念，如今化為一片治癒之森。展覽裡頭的華麗花園，有許多分岔小徑，等待有緣人親自體會。
收藏藝術，是件美好歷程，能與每件藏品，建立感情，留下故事。對大頭來說，更是如此，每件藏都是他和母親的私密記憶，令人玩味。
例如長井朋子 Tomoko Nagai 「學習Study」畫作，是長井在台灣展出的最大幅的平面油畫作品，畫中的小女孩，托腮沉思模樣，一直喚醒大頭與媽媽的記憶，他說：「這記憶有一點搞笑，就是我媽媽在算六合彩明牌，透過農曆，碼報翻牌支的樣子。」
伊藤彩Aya Ito的「Piece of Future Dreams」，作品中的黃色康乃馨，表達對母親的感恩、依戀和思念之情。康乃馨代表迷人、優雅與愛，它層層的花瓣，就像是母親對子女連綿不絕的深情，康乃馨有著「母親之花」、「神聖之花」的美譽，其來有自，代表亙古不變的偉大母愛。
藉由玻璃彈珠在畫布上不確定，且自由的滾動探索，彷彿是愛與思念的縮影，玻璃珠滾動，形成的線條，象徵著無限的愛，線條在畫面上層疊出肌理與紋路，呈現對母親無限的思念。
藝術家山本桂輔 Keisuke Yamamoto的作品創作中，喜歡使用花卉、蘑菇和仙女等圖案，透過大自然的植物與有機體的結合，創造出新形式的擬人化作品，具有很高識別度。
在森感恩紀念展出中一件高達四米的雕塑，用來表達母愛如傘，為兒女撐起一片天，無私的保護感念之情。
大野智史 Satoshi Ohno作品，原始森林不僅僅是大自然，它就像一個母親的身體。進入它時，原始森林不僅給您一種被包圍或保護的印象，也能感受到母愛親情存在般那樣。
三宅信太郎用“遊樂園”代替了“人類生死”和“自我意識”的基本主題，而作品旋轉木馬，代表著，現在、過去、未來，輪迴重生。
藝術家Aki KANDO 近藤亞樹，因為時常供養佛、釋迦牟尼等神，也給母親獻花，鮮花一直在她身邊存在。”所以創作中，經常會出現具有綻放生命力的花朵。像是媽媽的笑容永遠停留在我們的腦海裏～還有一件作品說是媽媽送給他的作品，那是由藝術家小瀬真由子Mayuko Ose的大型創作「Snake Hunting」，因為藝術家捨不得將作品賣到海外，幾經交涉，後來跟藝術家分享做這個展覽的需求，藝術家才點頭答應，滿足孝子的心願。
展廳的兩側，呈現加藤泉掛布作品，伊日畫廊工作人形容是喪禮中的金童玉女，加藤泉一直是影響大頭收藏體系的藝術家，同時，作品中營造出遠古而來的神使，有如中國傳統文化中的門神。
「孩子從母親那裡承接的情念，如今化為一片治癒之森。」仔細品評該展，還有三層意義，值得肯定：
其一，策展當事人，如何鋪陳以逝別作為主軸的墓園展覽，抽象的愛與實體展品，如何串連，可望成為案例。
其二，非典型的議題，對於死亡的探索、墓園場域精神的弘揚，觀眾在觀看過程中，如何扣接，是有趣的展覽心理學。
其三，人死後是油盡燈枯，還是輪迴重生，前世因緣，究竟還有多少留存？！這也會留下哲學思辨，令人深思。
最後，大頭先生特別感謝：BLUM & POE、EACH MODERN、Kaikai Kiki Gallery、TOMIO KOYAMA GALLERY、AKIO NAGASAWA GALLERY、KOTARO NUKAGA、PERROTIN、ShugoArts、THE CLUB、YIRI ARTS等畫廊協助與展出作品的商借事宜。以及皇穹陵紀念花園同仁，特別是媽媽的金牌儀禮師張上秦先生。
森的感恩紀念展不是結束，而是新生的開始，未來將透過賢彥居不定期的展出，延續媽媽賴滿女士，無私情懷。
二、治癒之森裡，一片華麗 文／陳晞
「在賢彥居整建尚未完工時，大頭先生母親賴滿女士，因病去世，無緣親眼看到賢彥居落成，為感念母親的教誨養育之情，在祂逝世一週年時，將賢彥居第一個展覽，獻給祂。母親為彰化田中鎮出生，少女時間曾至名間鄉赤水地區工作，熟悉當地人文地形風景，也因為這層關係的牽引，祂選擇『皇穹陵紀念花園』為長眠之地……」
森之華
從2020年下旬開始，收藏家（大頭先生）便將位於南投縣名間鄉的三合院老宅逐步整修。在為期十年的整建計畫裡，一步一腳印地將這個充滿家鄉回憶之地，打造成一個名叫「賢彥居」的空間，期望作為一個當代寫實藝術典藏、展覽、教育的所在。
對大頭來說，賢彥居是一個已經在念想中誕生的平台。他以賢彥居之名，在母親長眠的「皇穹陵紀念花園」裡，策劃了一檔名為「森」的感恩紀念展，大頭先生精選平子雄一（Yuichi Hirako）、伊藤彩（Aya Ito）、加藤泉（Izumi Kato）、近藤亜樹（Aki kondo）、宮島達男（Tatsuo Miyajima）、三宅信太郎（Shintaro Miyake）、長井朋子（Tomoko Nagai）、奈良美智（Yoshitomo Nara）、大野智史（Satoshi Ohno）、小瀨真由子（Mayuko Ose）、大谷工作室（Otani Workshop）與山本桂輔（Keisuke Yamamoto）等十二位當代藝術家、超過四十件作品。它們匯聚於此，集結一場充滿治癒氛圍的遊行，為逝者、為生者、為萬物之靈。
「森」展從一位收藏家如何將母親之於自己的養育之恩，昇華為分享藝術的心念。在這其中，更能見得大頭先生如何以藝術表露自己在這個充滿挑戰的時代境遇中，對生命能量之循環的精神與思想。除此之外，「森」打造了一個如小徑分岔的花園般的展呈，在兩個意義上有著翻轉意義：其一，是台灣坊間看待墓園與逝去之觀念的一檔展覽；其二，是以有別於非典型展示方式，讓藝術與觀眾在觀看的過程中彼此交織。琳瑯色彩在十二位藝術家作品之間，奏鳴一首德布西的《華麗曲》（Arabesque）。「Arabesque」原意為由線條曲線交織的「阿拉伯型」或「蔓藤花紋」，作家楊照形容該曲為「『小』與『細』鋪陳出的華麗」。在視覺上，「森」的展出作品彼此聯覺出德布西式的細緻與華麗，由十二色環與十二音列中的一切微小與細緻組構而成。一如生命僅能擁有瞬間。然而，若我們穿過眼前的這片華麗，裏頭潛藏著關於一種對生死循環的哲思。
十二之宇宙
「十二」這個數字是組成「森」展概念的繆思。舉凡佛教裡的十二因緣、度量天文、星座與時間的十二進位法，更遑論上述在藝術技法層面裡的意義。在這個世界當中，有著許多以十二個單位組成一個循環。一如十二筆畫的「森」，由木成林、由林成森，從細微的單位匯聚成一片圖景的此一意象，融會於展覽核心與藝術家作品之間。例如平子雄一、伊藤彩、長井朋子、三宅信太郎等人的作品，都在非中心化構圖的繁複形象與色彩匯聚而成的世界中，詮釋人與所在共存共生之思想。例如伊藤彩藉由從攝影到繪畫的「寫真繪畫」，將繽紛且具有豐富材質表現所建構之道具場景，再媒介化爲一個靜物劇場；長井朋子的《study》，則表現了這個被森之奇幻與詭譎所包圍著的純真與恬靜；在三宅信太郎的畫中，重複性的線條組構了一個歡騰且充滿笑鬧聲的極樂園。穿過這些作品之外，小瀨真由子的繪畫，預示著個體形象必然的抽象化與去個體化，而奈良美智作品《Standing on Empty》，則言簡意賅地訴說著生者之境——我們與佇立在十字紙板內、結構鬆散的骷髏頭堆的小孩無異。
在這個意義上，「森」展中最大幅作品——平子雄一的五連拼畫作《Leftover 1》，好比這檔展覽的序曲。一條蜿蜒的路由右至左，穿行在五個不同的繁華世界。或許我們也可將之聯想為生命的不同階段（青春、盛夏、入秋、衰老、超脫），在最後的時光裡，藝術家充滿標誌性的樹人與動物開著車，手上的樹枝舉向星空，黑夜在濃密森林的中間成為一條通往宇宙太初的銀河。另一方面，「森」對於自然原始純粹之美的謳歌，亦顯現在另外幾位藝術家與展覽命題之間的呼應。如加藤泉以簡易而強烈的輪廓，塑造充滿原始驅力的人偶形象；山本桂輔承襲自日本民間信仰文化中的物神思想，將原本被視為無法使用的舊物成為雕刻創作之媒材，物件被逐步雕琢，功能性也從中昇華為另一種造型美之層次；大野智史原始森林風景中的稜鏡之月，塑造一種如同電影《2001太空漫遊》般之自然與人造之間的張力；大谷工作室的《貓頭鷹與男孩》與十二生肖動物雕塑裝置於展場，與展覽命題之間的互文饒富童趣；近藤亜樹繪畫中鮮豔的原色表現非寫實的花卉與鳥獸，其源於生活的描繪對象，與發自內心的筆觸，為展場增添一抹清爽明亮。宮島達男的裝置作品，則以沈甸甸的材料，傳達生命難以承受之輕的觀念——象徵每個生命瞬間的時間與數字。
孩子從母親那裡承接的情念，如今化為一片治癒之森。裡頭的華麗花園充滿分岔小徑，等待有緣人親自體會。
“Before the renovation of Hsien-Yen Art Space was completed, Mr. Big Head ‘s mother, Ms. Lai Man, passed away due to an illness and was not able to see the completion of Hsien-Yen Art Space in person. As a celebration of his love and gratitude to his mother, the first exhibition is dedicated to her on the first anniversary of her passing. Ms. Lai Man was born in Tianzhong, Changhua. When she was a young girl, she worked in Chishui, Mingjian Township, where she was familiar with the local cultural landscape and natural scenery. Because of this relationship, she chose the Huang-Qiong-Ling Memorial Garden as her place of eternal rest…”
Light of Mori
In late 2020, the collector, Mr. Big Head, gradually renovated the traditional three-section residential compound in Mingjian Township, Nantou. Spanning the course of a ten-year plan, this place that symbolises immerse personal and cultural meaning has been built into Hsien-Yen Art Space, is expected to be a venue for contemporary art collection, exhibition, and educational purposes.
For Mr. Big Head, Hsien-Yen Art Space is a platform that was hatched early in his mind. In the name of Hsien-Yen, he planned a memorial exhibition of gratitude titled “Mori,” located in the Huang-Qiong-Ling Memorial Garden, where his mother is buried. A personal collection made by Mr. Big Head features 12 contemporary artists Yuichi Hirako, Aya Ito, Izumi Kato, Aki Kondo, Tatsuo Miyajima, Shintaro Miyake, Tomoko Nagai,
Yoshitomo Nara, Satoshi Ohno, Mayuko Ose, Otani Workshop, and Keisuke Yamamoto. Over 40 artworks are gathered here to fulfil a procession that evokes a healing atmosphere, for those who have passed and those still here.
The “Mori” exhibition offers a vision of how a collector transforms his mother’s nurturing grace into his desire to share art. This also moves his spirit towards the life-cycle of art during difficult times. “Mori” is akin to a garden with bifurcated paths, which has a reverse meaning in two senses: First, as a means of portraying the Taiwanese concept of a cemetery and an elapsed life. Second, as an exceptional display method that provides viewers with an immersive experience intertwined with art. Among the works of the 12 artists, the array of colours plays Debussy’s “Arabesque.” The original meaning of “Arabesque” is arabesque intertwined by lines and curves. Writer Yang Zhao described the work as “a gorgeous arrangement of ‘small’ and ‘thin’.” Visually, the relationship between the works on view in “Mori” reflecting a sense of Claude Debussy’s delicacy and splendour, composed of all the tiny and meticulous elements in the 12-colour wheel and 12-tone composition, makes us feel as though life can only have fleeting moments. However, the beauty conceals reflections on life and death.
Universe of 12
The concept of “Mori” builds on the number “12”. The 12-digit measuring method includes 12 Links in Buddhism, astronomy, constellations and the duodecimal system, even encompassing the means of artistic techniques mentioned above. In our world, there are many that form a cycle of 12 units. Just like the “Mori” written in Chinese composed by 12-stroke orders, the term refers to a forest — from subtle units to the wooded scenery that create a spiritual meaning merging between the space and the artworks.
The works of Yuichi Hirako, Aya Ito, Tomoko Nagai, Shintaro Miyake elaborate the idea of coexistence between people and places via a decentralised composition that contains complex images and vibrant colours. For example, Aya Ito’s “photographic painting,” a method of creation that shifts from photography to painting. She built a props scene whose assemblage contains bright colours and rich textures, which makes her work akin to still-life theatre. Tomoko Nagai’s “Study” expresses the innocence and tranquility surrounded by the fantasy and weirdness of the forest. In Shintaro Miyake’s paintings, repetitive lines constitute a joyous paradise full of laughter. Beyond these works, Mayuko Ose’s paintings herald the inevitable abstraction and de-individuation of individual images. While Yoshitomo Nara’s “Standing on Empty” succinctly describes the realm of the living – as the viewer and a child standing inside a loosely cross-structured cardboard within a pile of skulls become no different.
As such, the largest work in the “Mori”—Yuichi Hirako’s five-part collage work “Leftover 1,” is like the prelude to this exhibition. A winding route goes right to left through five different busy worlds. Perhaps we can also associate it with the different stages of life (youth, summer, autumn, ageing, and detachment). Previously, the artist‘s iconic tree figure and animals driving cars, holding branches in their hands pointing at the starry sky, the night in the middle of the dense forest became a galaxy leading to the beginning of the universe. On the other hand, “Mori’s” eulogy to celebrate the pure beauty of nature is also reflected in the works of several other artists.
Izumi Kato creates a puppet image full of primitive driving force with a simple and strong outline. Keisuke Yamamoto inherits the fetish held in Japanese folk belief culture, and employed old objects that were originally regarded as unusable as materials for sculpture creation. Objects are carved gradually, while their functionality are also elevated to another level of beauty. Satoshi Ohno’s moon in the virgin forest creates tension between nature and something artificial like the movie “2001 A Space Odyssey.” Otani Workshop’s “Owl and Boy” and the Chinese zodiac animal sculptures were installed in the exhibition venue, which offer a compelling connection with the exhibition concept. The vivid colours in Aki Kondo’s paintings represent non-realistic flowers, birds and beasts, drawn from lived experience and the brushstrokes from the heart add a refreshing and bright touch. Tatsuo Miyajima’s installation uses heavy materials to convey the concept of the unbearable lightness of being which symbolises the time and number of every moment of life.
The love that a child inherited from his mother has now grown into a forest of healing. The gorgeous garden fully consisting of bifurcated paths are waiting for those who are destined to relish this calm.